Dafne Funeck | agosto 10, 2016
Dafne Funeck | febbraio 22, 2017
Dafne Funeck | marzo 16, 2017
Dafne Funeck | settembre 13, 2016
Dafne Funeck | marzo 19, 2017
Dafne Funeck | maggio 1, 2017
Posted In Art & Exhibitions
La Galleria Carla Sozzani – Fondazione Sozzani, presenta la mostra “Anni Albers, the Prints” dedicata alle opere su carta di Anni Albers (1899 – 1994), una delle maggiori artiste tessili e grafiche del Novecento.
In mostra sono esposte trentuno opere – litografie, incisioni, serigrafie, acquetinte, stampe su carta realizzate dal 1969 al 1978, accompagnate da fotografie d’archivio.
Anni Albers si è formata in Germania al laboratorio tessile della scuola Bauhaus, che era allora uno dei pochi indirizzi di studio accessibili alle donne. Durante gli anni Venti ha esplorato le possibilità offerte dalle nuove tecniche sperimentali e ha creato un mondo definito da astrazione e linearità, dove i motivi geometrici si uniscono mano a mano ai colori.
Continua la sua ricerca artistica al Black Mountain College negli Stati Uniti, dove emigra con il marito nel 1933, e nel 1949 è stata la prima artista tessile ad avere una mostra al Museum of Modern Art di New York.
Dal 1963 ha iniziato a esplorare varie tecniche come la stampa su seta, la litografia, l’acquatinta, l’incisione che le hanno permesso di approfondire la sua ricerca nell’astrazione.
Anni così scrive nel suo trattato fondamentale On weaving (sulla tessitura), pubblicato nel 1965: “La nostra tecnologia è sempre più complessa, il nostro modo di lavorare sempre più rapido. Ogni epoca sente nello stesso modo i risultati che raggiunge. E, guardando indietro, tutto quello che è accaduto prima sembra lento. Quanto sembreremo lenti anche noi domani?”
La Albers negli anni Sessanta acquisisce quelle tecniche grafiche che le permettono di ottenere, attraverso la mediazione delle macchine e dei processi di stampa, effetti impossibili da raggiungere con la tessitura, la conquista di un nuovo regno espressivo.
“Più ci allontaniamo dalla tirannia dello strumento e delle macchine, più il nostro lavoro riesce a sfuggire al marchio di un tempo specifico e delimitato, senza invecchiare. Potrà superare le mode solo se incarna in sé qualità durevoli e insieme transitorie.”
Questa mostra è stata realizzata in collaborazione con il Musée des beaux-arts di Le Locle (Canton Neuchâtel, CH), la Alan Cristea Gallery (Londra, UK) e The Josef and Anni Albers Foundation (Bethany, Connecticut, USA).
The five year anniversary of London Fashion Week Men’s will be celebrated 9th – 12th June. To mark this milestone iconic British artist Tracey Emin CBE RA, member of the BFC’s Menswear Committee, has lent her signature handwriting to the LFWM logo. The logo will be featured in a custom neon installation in the event’s central hub at The Store Studios, 180 Strand.
The fifth anniversary edition of LFWM will celebrate London’s reputation as the home of menswear, showcasing Savile Row tailoring and heritage brands through to the most exciting emerging talent in the menswear market, as well as a strong roster of British and international designer and contemporary businesses.
Since the first season of standalone menswear shows in June 2012 over 200 different brands have been part of over 750 shows, presentations and events. Since 2012 over 230 designer brands have shown as part of the Designer Showrooms, the curated menswear exhibition which sits at the heart of LFWM’s central hub.
Tracey Emin CBE, RA commented: ‘I am a big fan of men’s fashion week – it’s something the UK should be really proud of. I feel very at ease in the world of men’s fashion and I was very happy to have some real input this year.’
Dylan Jones OBE, Chair, London Fashion Week Men’s commented: ‘It is a more than fitting testimony that one of Britain’s greatest artists has given her stamp of approval by designing our new logo. God bless Tracey, god bless London Fashion Week Men’s.’
Orticola di Lombardia, che nasce 150 anni fa per promuovere e diffondere la cultura del giardino e del paesaggio, da 22 anni destina i proventi della mostra-mercato Orticola al verde cittadino, secondo una Convenzione con il Comune di Milano stipulata nel 2014: dall’estate 2016 Orticola si occupa della sistemazione e manutenzione del Giardino Perego in via dei Giardini.
I “PROTAGONISTI” DELLA MOSTRA: I VIVAISTI E LE PIANTE
I vivaisti, nuovi e giovani, e le piante, particolari e dalle mille proprietà
Orticola, nel corso degli anni, ha dimostrato di essere la più importante vetrina per il vivaismo di ricerca italiano, diventando rampa di lancio per giovani talenti e vero luogo di scoperta delle piante più particolari o persino introvabili, sia per gli appassionati sia per chi si avvicina al mondo delle piante.
La mostra, che quest’anno vede la presenza di oltre 160 espositori, vanta un altissimo numero di giovani vivaisti.
I più giovani, che partecipano per la prima volta:
Guido Agnelli, con una collezione di piante da frutto tropicali quasi introvabili in Europa come Theobroma cacao (il cacao) e Inga edulis (guaba), quest’ultima portatrice di un frutto con caratteristiche curative per l’artrite e i reumatismi;; Barone di Nassa di Andrea Bassino, che presenta erbacee fiorite dei nostri prati, tutte ottenute da seme, scelte tra quelle prevalentemente spontanee della flora italiana che possono essere adatte ai nostri giardini;; e ancora le orchidee tropicali di Giulio Celandroni, che è tra i più giovani, ma è anche alla prima esperienza a Orticola.
E poi Marco Greggi di Centroflora, con piante collaudate per prosperare nel nostro clima;; Eugenia Natalino del vivaio del Prete, che espone piante della macchia, delle colline e della pianura mediterranea;; Dennis Barroero di Dennis Botanic Collection con un’innumerevole quantità di frutti rari e inconsueti da tutte le regioni del mondo, come la mora di Gelso cinese, il babaco, la pitanga. Daniele Righetti con una collezione di carnivore.
GLI INGRESSI E LA FONTANA
Orticola di Lombardia insieme ai Vivai Nespoli danno il benvenuto al pubblico della Mostra, nel monumentale androne di Palazzo Dugnani. Qui come in un rigoglioso giardino costiero, trovano spazio specie della flora spontanea italiana come la Palma nana (Chamaerops humilis), ma anche piante esotiche adattissime al nostro clima, che ormai si disseminano da sole come la canfora (Cinnamomum canphora), o che sono ormai divenute parte integrante di un’immagine tipica dei giardini dei mari e dei laghi d’Italia, come la yucca, la dracena o il Phormium, detto anche Lino della Nuova Zelanda, che sa regalare fioriture spettacolari laddove l’inverno non sia troppo freddo.
In fondo all’androne, si apre la grande fontana allestita sul tema dell’anno, Piante italiane per il giardino italiano. Se certamente poche sono le palme originarie del Mediterraneo, come potremmo oggi immaginare le nostre coste italiane, e persino i nostri laghi prealpini, senza di loro?
E allora, un po’ per gioco, tra il serio e il faceto, ecco l’allestimento a cura del noto antiquario reggiano Alessandro Stefanini in collaborazione con Monica Lupi, eclettica antiquaria e interior designer: tre grandi palme sapientemente realizzate con pneumatici di recupero planano nella fontana, cuore della Mostra, a ricordare non solo la creatività e il design italiano, ma anche la tradizione dell’artificio e dello ‘scherzo’ che tanto spesso avevano a che fare con l’acqua e le fontane dei nostri giardini rinascimentali e barocchi.
“Dipingo autoritratti perché sono spesso sola, perché sono la persona che conosco meglio.”
L’artista messicana Frida Kahlo è una delle icone che più mi ispirano ogni giorno. Vittima di un grave incidente subìto da ragazza, riflesse nei dipinti la sua drammatica e travagliata storia. L’artista trasformò l’autoritratto in un mezzo di evasione dal quotidiano per esprimere il suo complicato mondo interno. Considerata da alcuni una pittrice surrealista, definizione che lei stessa rifiutò, insistendo sul fatto che ciò dipingeva non erano i suoi sogni, bensì il quotidiano.
Il tema che emerge da questo primo dipinto è sicuramente quello dell’alterità: la Frida raffigurata sulla tela è un’altra lei che si arricchisce di tutte quelle sofferenze che dovette subire nel corso della sua vita. Ma non solo, la dualità della sua persona ricomparirà anche in altri dipinti dove oscilla molto il tema della sua doppia natura sessuale: se da una parte l’ amore per il famoso muralista dei primi decenni del Novecento, Diego Rivera, fu particolarmente travagliato, d’altro canto ebbe alcuni flirt con alcune donne. Una sorta di ying e yang che fanno capolino nella figura di Frida.
“Dal momento che i miei soggetti sono sempre stati le mie sensazioni, i miei stati mentali e le reazioni profonde che la vita è andata producendo in me, ho di frequente oggettivato tutto questo in immagini di me stessa, che erano la cosa più sincera e reale che io potessi fare per esprimere ciò che sentivo dentro e fuori di me”.
L’amore incondizionato per l’artista Diego Rivera, le emozioni forti e le frustrazioni si espressero in un dipinto di grande rilievo Le Due Frida, in cui lo specchio gioca un ruolo centrale. Se in un primo momento della sua carriera come artista, lo specchio era una sorta di necessità dovuta alle condizioni di salute che la costringevano a letto, in seguito divenne un riflesso della sua realtà che poteva essere modificata in una visione del tutto personale.
In questo ritratto, che troviamo esposto, ritorna prepotente il tema della dualità dell’artista: la versione speculare dell’artista, seduta su una panca con alle spalle un cielo tempestoso, e risale al periodo di divorzio con Diego. Se da un lato troviamo la Frida europea, dall’altro lato troviamo quella messicana. In entrambe il cuore è esposto: nella Frida europea è aperto e i due cuori sono collegati tra loro da una vena, simbolo di solidarietà. Le due Frida si tengono per mano gesto confortante e consolatorio.
Lo sguardo diretto all’osservatore, immobile, impassibile, ermetico, le bocche serrate senza sorriso, rivelano una sottile tensione interna dell’animo della pittrice, che trova aiuto soltanto in sé stessa.
Nell’osservare le sue opere si ha costantemente l’impressione di una dualità tra vita e morte, femminile e maschile, fragilità e forza. La sua carriera artistica è caratterizzata da un’autobiografia pittorica per raccontare le sue sensazioni e i suoi sentimenti, e attraverso la quale rappresentò i momenti più significativi della sua vita, i dolori, la gioia, la paura della morte; nello stesso tempo creò un linguaggio figurativo arricchito da elementi surreali e fantastici, utilizzando la pittura per raccontare sé stessa, i suoi problemi fisici e di salute. In molti dipinti mostrò il suo corpo oggetto di manipolazione da parte dei medici, un corpo rotto, frantumato, sorretto da bustini, sedie a rotelle, ma non ritrasse mai il capo chino, al contrario viene sempre raffigurato alto, fiero e coraggioso, lo sguardo penetrante che non consente al dolore di avere la meglio su di lei.
Casa Azul, situata nel quartiere fuori dal centro di Coyoacán, per volere di Diego è rimasta quasi del tutto invariata, anche se il suo curatore, Carlos Pellicer, amico e poeta di Frida, dovette cambiare il punto di vista degli oggetti, assumendo quello dell’osservatore. Un posto magico, che rapisce animo e cuore, dove è il blu a dominare. Lo studio con pennelli e tele, la cucina dove giallo e Azul regalano vivacità e allegria e infine la sua camera da letto, dove, definita, la camera da letto per il giorno, riusciva a stare sdraiata vedendo le piante attraverso la finestra e sentire il gorgoglio della fontana. La forza di questa donna è tangibile nelle pagine del suo diario e nel guardaroba esposto. I colori e la vivacità dovevano compensare con la sua essenza. Temeraria, anche quando peggiorò, aveva sprazzi di allegria e umore festoso. Così la descrissero gli amici che la andavano a trovare.
Entrare a Casa Azul, significa fare conoscenza con lo spirito di Frida, che ancora vive nelle sue mura.
Vasilij Kandinskij arriva in Italia dal 15 marzo 2017 e si ferma al MUDEC – Museo delle Culture di Milano, con una mostra assolutamente inedita, ricca di 49 sue opere che raccontano il “periodo del genio” dell’artista russo che porta alla svolta completa verso l’astrazione, e di 85 tra icone, stampe popolari ed esempi di arte decorativa. Le opere, alcune delle quali mai viste prima in Italia, provengono dai più importanti musei russi, come l’Ermitage di San Pietroburgo, la Galleria Tret’jakov, il Museo di Belle Arti A.S. Puškin e il Museo Panrusso delle Arti Decorative, delle Arti Applicate e dell’Arte Popolare di Mosca.
La mostra rivela il periodo della formazione dell’immaginario visivo dell’artista, profondamente radicato nella tradizione russa, e il suo percorso di svolta ormai già compiuta verso l’astrazione, dall’ultimo Ottocento fino al 1921, quando si trasferì in Germania per non fare più ritorno in madrepatria. Promossa dal Comune di Milano-Cultura e da 24 ORE Cultura – Gruppo 24 ORE, che ne è anche il produttore, e curata da Silvia Burini, professoressa di Storia dell’Arte Russa e direttrice del Centro Studi Sulle arti della Russia CSAR Università Ca’ Foscari Venezia, e Ada Masoero, critico d’arte e giornalista, la mostra accompagnerà i visitatori in un viaggio immaginario nella Russia dell’artista fino al 9 luglio 2017.
“Il linguaggio artistico di Kandinskij si forma nella tradizione culturale russa, così come mette in luce con grande profondità questa mostra nelle suggestioni, nei modelli, nell’uso dei colori che l’artista apprende ed elabora – afferma l’Assessore alla Cultura Filippo Del Corno – La nuova concezione della rappresentazione del reale così formata nella poetica di Kandinskij ne condiziona fortemente tutti gli sviluppi artistici successivi, segnando un autentico punto di non ritorno”.
“Investire su una realtà museale come quella del Mudec, che si distingue per l’interculturalità e l’interdisciplinarietà, è una sfida che siamo orgogliosi di avere raccolto come realtà privata. – afferma l’Amministratore Delegato del Gruppo 24 ORE Franco Moscetti –La conferma a proseguire in questo impegno ci arriva sia dalla grande affluenza di pubblico, che registra oltre 800 mila presenze da marzo 2015 a oggi, sia dall’autorevolezza raggiunta a livello internazionale da 24 ORE Cultura che inaugura la stagione 2017 del MUDEC con le mostre “Kandinskij” e “Dinosauri” in collaborazione con importanti istituzioni russe e argentine.”
L’esposizione, che cade nell’anno del centenario della Rivoluzione russa e a ridosso delle celebrazioni del centocinquantesimo anniversario della nascita dell’artista, è un progetto “site-specific”, legato alla vocazione del MUDEC-Museo delle Culture: è, infatti, fondato sul rapporto tra arte ed etnografia e sulla metafora del viaggio come avventura cognitiva. Tutti aspetti sperimentati dal fondatore dell’astrattismo, che rivoluzionò buona parte della successiva ricerca espressiva nel mondo, e che ha sempre mostrato interesse per un approccio scientifico alla realtà e per le esplorazioni.
Kandinskij amava ripetere: “Per anni ho cercato di ottenere che gli spettatori passeggiassero nei miei quadri: volevo costringerli a dimenticarsi, a sparire addirittura lì dentro”. Dipinti, acquerelli, disegni e incisioni di Kandinskij, antiche icone, stampe, tessuti e oggetti di arte applicata consentiranno allo spettatore – che avrà a disposizione, lungo il percorso, anche installazioni multimediali integrate, ideate e curate da Giuseppe Barbieri, professore di Storia dell’arte moderna all’Università Ca’ Foscari Venezia – di comprendere l’origine e lo sviluppo del codice simbolico dell’artista, in un viaggio affascinante e totalmente “immersivo” tra le sue fonti visive russe (la mostra ospita anche quattro icone, 15 stampe popolari e una sessantina dioggetti d’arte decorativa) cui l’artista attinse costantemente.
Il viaggio, cifra riassuntiva dell’esistenza stessa dell’artista, diventa, dunque, anche la cifra del percorso espositivo: un pellegrinaggio attraverso la Russia, le sue immagini, le sue atmosfere, laboratorio mentale dell’artista, ma anche un itinerario verso l’astrazione e, di conseguenza, un viaggio nelle “vibrazioni dell’anima” di Kandinskij, uomo di intensa e profonda spiritualità.
IL PERCORSO ESPOSITIVO.
SEZIONE INTRODUTTIVA
La mostra Kandinskij, il cavaliere errante. In viaggio verso l’astrazione parla di un duplice viaggio: un viaggio reale – quello compiuto da Vasilij Kandinskij nei suoi anni universitari, nel nordico Governatorato di Vologda – che fu generatore di emozioni tanto potenti e incancellabili da mutare, di lì a qualche anno, il corso della sua vita– e uno ideale, interiore: quell’itinerario che, attraverso tappe progressive e ritorni sui propri passi, improvvise folgorazioni spirituali e profonde riflessioni teoriche, lo avrebbe condotto da una pittura figurativa, posta ancora nel solco della tradizione, a un’assoluta e sovversiva non-oggettività, portandolo a un distacco dal reale («dall’Oggetto», come scrive lui) che avrebbe rivoluzionato l’arte del Novecento.
In questa mostra il visitatore è invitato a compiere un’esperienza di “viaggio” all’interno del laboratorio creativo dell’artista, alla ricerca dei quei segni che dapprima lo hanno avvolto, poi conquistato e infine guidato verso l’astrazione.
Gli oggetti esposti (icone, stampe popolari russe o lubki, giocattoli, arredi), che ovviamente non possono essere riferiti autograficamente a Kandinskij, ma da cui l’artista era circondato sin dall’infanzia al pari di quelli che vide nel suo viaggio al Nord, aiutano il visitatore a ricostruire il suo immaginario, nutrito della lezione dell’arte popolare russa e delle icone, e a comprendere come prenda forma il suo linguaggio espressivo, dalle prime opere figurative fino alla totale liberazione dalla schiavitù dell’«Oggetto».
PRIMA SEZIONE
VOLOGDA: IL VIAGGIO “DENTRO IL QUADRO”
Durante gli studi universitari di legge Kandinskij si appassionò all’etnografia e al folklore e nel 1889 volle compiereuna spedizione nel lontano Governatorato di Vologda, 500 chilometri a nord di Mosca, per la Società imperiale di Scienze naturali, Etnografia e Antropologia.
Viaggiava solo, felicemente immerso nella natura selvaggia del luogo, ma lo colpì soprattutto la profusione di colori e di decori che vide sulle vesti dei suoi abitanti Komi-Zirjani (ai suoi occhi «vive immagini dipinte che si muovevano su due gambe») e, più ancora, nelle isbe, con le stanze interamente rivestite da un manto di decorazioni vividamente colorate, e affollate di stampe popolari (lubki). Scriverà nell’autobiografia: «Ricordo ancora che, entrando per la prima volta nelle sale di un’isba, restai inchiodato di stupore davanti alle pitture sorprendenti che da ogni lato mi circondavano. Quando infine penetrai nella camera, mi trovai circondato da ogni parte dalla Pittura: come se io stesso fossi penetrato nella Pittura».
Per anni avrebbe cercato un linguaggio pittorico che coinvolgesse allo stesso modo gli spettatori, fino a farli «passeggiare» nei suoi dipinti, dimentichi di tutto: raggiungerà questo ambizioso obiettivo quando darà vita all’astrazione.
Gli abiti e i tessuti, gli arredi e gli oggetti d’uso, i giocattoli e i lubki esposti in mostra, tutti provenienti dalla regione di Vologda, intendono ricostruire la fantasmagoria di colori e decori che folgorò Kandinskij nel suo viaggio.
SECONDA SEZIONE.
IL CAVALIERE ERRANTE
Il tema del cavallo e cavaliere attraversa l’intero percorso artistico di Kandinskij, radicato com’è nel suo immaginario infantile. Nell’autobiografia l’artista rammenta quando con la zia giocava con un cavallino di stagno, che lui, bambino, tentò di ritrarre in un acquarello.
Come per molti altri artisti del tempo, desiderosi quanto lui di affrancarsi dalle convenzioni accademiche, il linguaggio visivo dell’infanzia rappresentava un mezzo privilegiato, insieme alle arti folkloriche, per guardare il mondo con uno sguardo più libero e autonomo.
Dotato di un occhio prensile («Ero condannato a ‘guardare’ senza tregua», scrive) e di una prodigiosa memoria visiva, Kandinskij accumulò una grande quantità d’immagini legate alle fiabe russe e tedesche ascoltate nell’infanzia, agli eroi delle leggende russe, immortalati, come i santi, nei lubki (le stampe popolari) e ai protagonisti delle icone, primo fra tutti san Giorgio, patrono di Mosca, il santo guerriero che, da cavallo, trafigge il drago.
In questa sezione si susseguono le sue bellissime incisioni ispirate alle fiabe, i lubki raffiguranti indomiti cavalieri combattenti o variopinti uccelli del paradiso, giocattoli e oggetti decorati con il tema pervasivo del cavallo, e una splendida icona di San Giorgio del primo Cinquecento, accostati al più fiabesco dei dipinti che egli dedicò a quel santo e a dipinti e acquarelli già totalmente astratti, nei quali però torna in filigrana (talora anche nei titoli, come in Improvvisazione 20–Due cavalli) questo tema mai dimenticato.
TERZA SEZIONE
MOSCA MADRE
«Mia madre era nata a Mosca e incarnava tutte le caratteristiche di questa città: una bellezza seria e severa, una semplicità di razza, un’energia naturale, una sensibilità forte e personale, una calma solenne e maestosa, un dominio di sé quasi eroico, un misto di convenzioni tradizionali e di vera libertà spirituale. In una parola, sotto forma umana: Nostra Madre Mosca dalla pietre bianche e dalle cupole d’oro».
Kandinskij era profondamente legato alla madre e altrettanto lo era alla sua città natale, Mosca, con la quale sembra identificarla.
In questa sezione scorrono i luoghi della sua vita: Odessa, dove visse da bambino, sentendosi «un ospite», poi Monaco, con Schwabing, il sobborgo bohémien dove viveva, il vicino lago di Kochel, e Murnau, il villaggio bavarese dove villeggiava d’estate e dove creò dipinti dai colori incandescenti. E Mosca, dove rientra dalla Germania nel 1914. Di lì a poco le dedicherà un capolavoro come Piazza Rossa: un dipinto astratto, nel quale tuttavia ancora si riconoscono chiese, campanili, palazzi, colti nella sua ora prediletta, il crepuscolo, quando – scrive Kandinskij – «Mosca si liquefa, diventa una macchia enorme. Come il “forte” finale di un’immensa orchestra, Mosca risuona vittoriosamente. Il rosa, il lilla, il giallo, il bianco, il turchino, il verde, il rosso fiamma delle case e delle chiese si uniscono al coro [con] la rossa muraglia del Cremlino. E sopra a tutto, come un grido di trionfo, […] la linea bianca del campanile di Ivan Velikij […] e la testa d’oro della sua cupola, il vero sole di Mosca».
QUARTA SEZIONE.
MUSICA DELL’ASTRAZIONE
La conquista dell’astrazione fu per Kandinskij la meta di un lungo e tortuoso itinerario, intellettuale prima ancora che pittorico. Fu però una folgorazione improvvisa a illuminarlo: a Monaco, entrando al crepuscolo nello studio, scrive, «vidi un quadro dalla bellezza indescrivibile, imbevuto di un ardore interno. Mi avvicinai a questo quadro misterioso, su cui non vedevo altro che forme e colori e il cui contenuto mi era incomprensibile: trovai subito la chiave del mistero: era un mio quadro, appoggiato alla parete di lato. […] Seppi allora in modo preciso che l’oggetto nuoce ai miei quadri».
Con che cosa sostituire, però, l’oggetto, senza cadere in una pittura meramente ornamentale? Dopo molto riflettere capì che, in quel tempo dominato dal materialismo, occorreva esplorare nuovamente l’interiorità.
Per penetrare nel mondo misterioso dello spirito, Kandinskij si affidò al colore e alla forma: dimenticato il dato reale, andò in cerca della «vibrazione interiore» che esso genera nello spirito umano, prendendo a modello la musica, «la più astratta delle arti». Specie quella di Arnold Schönberg, le cui esperienze musicali, scriveva, «non sono acustiche, ma puramente psichiche […]. Con lui comincia la “musica del futuro”».
Con Kandinskij inizierà la pittura del futuro. A provarlo, in questa sezione, sono numerosi capolavori non-oggettivi, alcuni mai visti prima in Europa, come il suo primo dipinto astratto, Quadro con cerchio (1911), e Tratto nero (1920), entrambi dal Georgian National Museum di Tbilisi.
LE INSTALLAZIONI MULTIMEDIALI.
La mostra propone anche degli strumenti di interazione multimediale con le opere di Kandinskij, per consentire al visitatore un’esperienza “immersiva” nel mondo dell’artista russo. Si tratta di un apparato di Information and Communication Technologies, multimediale e interattivo, progettato e curato da Giuseppe Barbieri, professore di Storia dell’arte moderna all’Università Ca’ Foscari Venezia, e dagli artisti visivi dicamerAnebbia.
L’obiettivo – come scrive Giuseppe Barbieri – è quello di «inserire lo spettatore nell’universo visivo che costituisce il background del pittore russo, coinvolgendolo nella dimensione reale e metaforica del viaggio».
Nella sala introduttiva una grande proiezione su due pareti presenta una selezione di pagine del diario del viaggio dell’artista nel Nord della Russia, opportunamente tridimensionalizzate, foto di primo Novecento e più recenti, nonché una serie di dettagli degli oggetti d’arte applicata che il visitatore ritroverà nella prima sezione della rassegna, e che furono fonte d’ispirazione per la ricerca dell’artista: l’obiettivo è quello di far percepire al visitatore un’esperienza sensoriale “avvolgente” simile a quella che dovette affascinare Kandinskij nel suo viaggio a Vologda.
Nella seconda installazione i visitatori vedono proiettati su una parete di ampie dimensioni i particolari di sei opere di Kandinskij presenti in mostra. Toccando queste sei immagini digitali con il palmo della mano iniziano altrettante grandi e coinvolgenti “storie visive” (Visualtelling,le ha definite Barbieri) che consentono di comprendere, di volta in volta, la ricchezza della tavolozza dell’artista, le “grandi forme” sottostanti le sue composizioni, i rapporti simbolici dei diversi colori, la genesi dell’opera stessa…
Alla fine del percorso, a conclusione della sezione dedicata alla “musica dell’astrazione”, in una “stanza sonora” interattiva, pur di ridotte dimensioni, i visitatori possono grazie all’ascolto di brevi frammenti musicali schönberghiani – selezionati da un’esperta musicologa come Giada Viviani – rivivere e condividere, con i movimenti del loro corpo, una profonda esperienza emozionale e multimediale tra musica e pittura, simile a quella che tanto fortemente ha colpito, in stagioni e momenti diversi, l’attenzione dell’artista russo.
L’esposizione Keith Haring. About Art, presenta 110 opere, molte di dimensioni monumentali, alcune delle quali inedite o mai esposte in Italia.
La rassegna ruota attorno a un nuovo assunto critico: la lettura retrospettiva dell’opera di Haring non è corretta se non è vista anche alla luce della storia delle arti che egli ha compreso e collocato al centro del suo lavoro, assimilandola fino a integrarla esplicitamente nei suoi dipinti e costruendo in questo modo la parte più significativa della sua ricerca estetica.
Le opere dell’artista americano si affiancano a quelle di autori di epoche diverse, a cui Haring si è ispirato e che ha reinterpretato con il suo stile unico e inconfondibile, in una sintesi narrativa di archetipi della tradizione classica, di arte tribale ed etnografica, di immaginario gotico o di cartoonism, di linguaggi del suo secolo e di escursioni nel futuro con l’impiego del computer in alcune sue ultime sperimentazioni. Tra queste, s’incontrano quelle realizzate da Jackson Pollock, Jean Dubuffet, Paul Klee per il Novecento, ma anche i calchi della Colonna Traiana, le maschere delle culture del Pacifico, i dipinti del Rinascimento italiano e altre.
Keith Haring è stato uno dei più importanti autori della seconda metà del Novecento; la sua arte è percepita come espressione di una controcultura socialmente e politicamente impegnata su temi propri del suo e del nostro tempo: droga, razzismo, Aids, minaccia nucleare, alienazione giovanile, discriminazione delle minoranze, arroganza del potere. Haring ha partecipato di un sentire collettivo diventando l’icona di artista-attivista globale.
Tuttavia, il suo progetto, reso evidente in questa mostra, fu di ricomporre i linguaggi dell’arte in un unico personale, immaginario simbolico, che fosse al tempo stesso universale, per riscoprire l’arte come testimonianza di una verità interiore che pone al suo centro l’uomo e la sua condizione sociale e individuale. È in questo disegno che risiede la vera grandezza di Haring; da qui parte e si sviluppa il suo celebrato impegno di artista-attivista e si afferma la sua forte singolarità rispetto ai suoi contemporanei.
La mostra sarà ordinata in un allestimento emozionante e al contempo denso di rimandi al contesto in cui la breve ed esplosiva vita di Haring gli consentì di esprimersi come una delle personalità più riconosciute dell’arte americana del dopoguerra.
Posted In Fashion Inspiration
Spring is coming and international fashion designers are proposing new collections SS2017 with a glowed touch of flowers. Blooming prints evoke secret gardens and oil canvas. Manet and others painters are the real influencers of the new proposals.
Enjoy my gallery!
Quanto dura la bellezza?
La bellezza è un attimo fugace che un cuore, una mente o un grande fotografo possono rendere eterno.
Ed è proprio questo che Aldo Coppola racconta in questa mostra fotografica di oltre 250 scatti d’autore: un percorso emozionale che narra della bellezza senza tempo e della sua evoluzione attraverso le immagini immortalate da Oliviero Toscani, Javier Vallhonrat, Fabrizio Ferri, Giampaolo Barbieri, Carlo Orsi, David Bailey e molti altri.
Un viaggio nella vena artistica dell’uomo che ha saputo diventare un punto di riferimento della coiffeur, della moda e del costume internazionale.
Un viaggio attraverso le sfumature della colorimetria, la metamorfosi delle forme, la magia della fotografia.
Un viaggio di condivisione dell’amore per il proprio lavoro.
Un viaggio di innovazione e avanguardismo tangibile e trasferibile.
Un viaggio di tenacia, ricerca e successi.
Un viaggio che racconta la storia di un uomo ma anche di molti uomini.
Un viaggio di passione per l’arte e per la sua semplicità.
Un viaggio attraverso la bellezza come forma di genio che non necessita spiegazioni.
Un viaggio dedicato alle donne, alla loro capacità di trasformare e trasformarsi.
Un viaggio che Aldo Coppola presenta attraverso immagini, video, parole e racconti.
Un viaggio semplice, meraviglioso ed eterno… proprio come lo è una rosa rossa .
Posted In Travel
Hi everyone! Today I am going to talk about art galleries in Amsterdam. I have been in this wonderful city several times, but every time it’s always love at first sight. This time I wanna tell you about a place that I totally adored: The Public House of Art. This is not a traditional art gallery, it is something more. Because they don’t wanna be categorized, I can just tell you what they are not. Let be honest, everyone is made up of a multitude of personalities that come forward when we need them, like a theatre company. We don’t always have to be the same person. So let’s disregard genetics, let’s throw away gender rules, and let’s disrupt cultural boundaries. This is their real mantra. This is the reason why I felt at home as I walked in. The collections are something strong, with a soul able to shock and disrupt the visitor.
Here below some artists they melt my heart, Rajni Perera originally from Sri Lanka, aims to express the dynamism, intricacies and force of these otherworldly ‘object-beings’, to counter-act an outdated historical discourse.
Preta Wolzak is just a genius. I loved her. “We are born pink or blue. Girls get dolls and boys get cars to play with. But girls might want to play with building blocks, and boys might want dolls.” For the Dolls series Preta Wolzak went back to her younger days, when she took everything out on her dolls. She didn’t understand what to do with the empty-gazed monsters with itchy hair that her visiting mother gave her. Preta couldn’t hug them nor care for them. But she did want the dolls to bring her happiness. So she dipped them headfirst in her grandfather’s tins of paint and hung them to dry on a clothesline in the attic. With rockhard hair and painted faces she did love them. Turning them upside down transformed the dolls – they became strange in a nice way and made her laugh. But taking them apart completely was actually the best fun.
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